第二次世界大戦後の最初の10年間、世界の映画産業は一歩も譲りませんでした。 しかし、実際にはどれが最高傑作なのでしょうか？
20世紀半ばを通じて、映画芸術は商業スタジオスタイルの洗練を通して進化しました。 同時に、エレクトロニック・ミュージックやテクニカラー、ワイドスクリーン・パノラマの普及など、先進的な試みが映画というメディアを次の段階へと導きました。 そのようなことが起こる一方で、映画スターたちは、大衆がそもそも映画を見に行く唯一の理由であることに慣れていきました。
映画の舞台も1950年代を通じて拡大。 アメリカ製ハリウッド映画が文化的・商業的に優位に立つ一方で、日本、スウェーデン、イタリア、フランスなど、世界各地の映画が話題に上るようになりました。
1950年代といえば、健全なアメリカ的価値観が一般的なイメージかもしれませんが、この時代に生まれた偉大な映画はそうではありません。 共産主義者の魔女狩り、冷戦の始まり、そして第二次世界大戦中の残虐行為とそれに耐える中で、1950年代の最高の映画は、パラノイア、心理的執着、乗り越えられない困難に立ち向かう愚かな勇気に彩られています。 しかし、歌やダンスもありました。
1950年代が実際にどれほど雰囲気のある多様な時代であったかを証明するために、この10年間のベスト映画を32本ご紹介しましょう。
32.十戒（1956年）
(画像クレジット：パラマウント）
セシル・B・デミルの遺作となったこの映画は、間違いなく彼の最高傑作であり、文字通り聖書のような規模のハリウッド超大作。 ドロート・クラーク・ウィルソンの『プリンス・オブ・エジプト』、J・H・イングラハムの『火の柱』など、聖書はもちろん、複数の原作を基にした『十戒』は、モーセ（チャートロン・ヘストン）がエジプトで生まれ、養子になるところから、シナイ山の頂上で神の規則を受け入れるまでを描いています。 豪華絢爛な伝記映画というだけでなく、『十戒』ではモーゼとラムセス2世（ユル・ブリンナー）とのライバル関係も描かれています。 あなたの信念がどうであれ、その壮大な威厳を否定することはできません。 今でも『十戒』は、巨額の製作費を投じたハリウッドの大作映画すべてが見習うべき作品なのです。
31.シンデレラ（1950年）
(画像クレジット：ディズニー）
1937年に『白雪姫と七人のこびと』を公開した後、ディズニーは40年代、『ピノキオ』、『ダンボ』、『バンビ』といった興行的成功を収め、アニメーション・スタジオとしての力と影響力を蓄えていきました。 1950年、ディズニーは、ウィルフレッド・ジャクソン、ハミルトン・ラスケ、クライド・ジェロニミが共同監督を務めた、働き過ぎの孤児が舞踏会の美女に変身する息をのむようなミュージカル・ファンタジー『シンデレラ』で、この10年の幕開けを飾りました。 おそらく、ディズニーとその神話作りの特異なスタイルを定義するすべての先駆けである『シンデレラ』は、魔法、真実の愛、そして足のサイズが合っているという普遍的な物語で、堂々と立っています。 今観れば、”ビビディ・ボビディ・ブー！”と歌わずにはいられないでしょう。
30.禁断の惑星（1956年）
(画像クレジット：MGM）
“人はゴルゴンの顔を見て生きることはできない！” スター・ウォーズ』が映画のSF言語を永遠に変えてしまう前に、『禁断の惑星』がありました。 フレッド・M・ウィルコックス監督、ウォルター・ピジョン、アン・フランシス、レスリー・ニールセン主演の『禁断の惑星』は、古典的なパルプSFの輝かしいパスティーシュであると同時に、その画期的な完全電子音楽から、人工的な光より速い旅といった概念の導入に至るまで、真の革新者でもあります。 (その傑出したキャラクターであるロボットのロビーは、それ自体がハリウッドの伝説でもあります）。 そのストーリーは、行方不明になった入植者の所在を調査するために派遣された軍用巡洋艦の話。
禁断の惑星』7.99ポンド Amazonにて21.36ポンド
29.第七の封印（1957年）
(画像クレジット：SFスタジオ）
1957年の公開以来、イングマール・ベルイマン監督の『第七の封印』は、同監督の最高傑作であり、スウェーデンが世界映画の舞台で確固たる地位を築くきっかけとなった作品です。 黒死病の時代を舞台にした歴史ファンタジーで、高貴な騎士（マックス・フォン・シドー）が、頭巾をかぶった不吉な死（ベングト・エケロット）とチェスで対戦するというストーリー。 彼らを取り囲むのは、まるで説教のように道徳的な描写をする登場人物たち。 ホロコーストや核爆弾のような恐怖が強調された時代において、ベルイマンの作品は時代を完全に定義しながらも、その寂寥感と憂鬱さは時代を超越しているように感じられます。
28.サンセット大通り（1950年）
(画像クレジット：パラマウント）
ハリウッドは、自分自身についての物語に夢中。 1950年、映画産業は「トーキー」が主流となり、映画スターがより大きな権力と文化的影響力を持ち始めた新しい時代に突入していました。 ビリー・ワイルダー監督の『サンセット大通り』。 グロリア・スワンソン主演のノーマ・デズモンドは、サイレント映画界で活躍し、苦闘する脚本家ジョー（ウィリアム・ホールデン）の助けを借りてカムバックを果たそうとする女性。 名声の毒性とはかなさについての暗い教訓物語である『サンセット大通り』は、ハリウッドの暗い自己反省の作品として痛烈。 マルホランド・ドライブ』、『バードマン』、『マップ・トゥ・ザ・スターズ』、『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』、『バビロン』などとの2本立てに最適。
27.レ・ディアボリック（1955）
(画像クレジット：CinÉdis）
アンリ＝ジョルジュ・クルーゾー監督によるフランス語のサイコホラー。残酷な校長の妻と愛人が協力して校長を殺そうとするが、校長の死体が行方不明となり、自分たちの行動に取り憑かれることに。 Les Diaboliques』（アメリカでは『Diabolique』として公開）は、必ずしもホラーというジャンルを発明したわけではありませんが、その影響力は折り紙付きです。『サイコ』の原作者ロベール・ブロッホは、1983年のインタビューで、ずっと好きな映画としてこの映画を挙げています。 Les Diaboliques』は緊張感とパラノイアにあふれ、一滴の血も流すことなく完璧に仕上げられた殺人ミステリーとして評価されるべき作品。
26.ローマの休日（1953）
(画像クレジット：パラマウント）
オードリー・ヘプバーンとグレゴリー・ペックの共演が眩しい、ウィリアム・ワイラー監督の爽やかだがほろ苦いロマンティック・コメディ。 ローマの休日』でヘップバーンが演じるのは、ローマを放浪し、魅力的なアメリカ人ジャーナリスト（ペック）と出会ったヨーロッパの王女。 ふたりは古都を思いがけずロマンチックに駆け巡り、束の間の恍惚に浸ってからそれぞれの生活を再開。 映画の中で、涙ぐむヘプバーンはこう言います。 ローマの休日』の不朽の魅力は、何年経っても観客にもわからないことを示しています。
25.シェーン（1953）
(画像クレジット：パラマウント）
スーパーヒーローが映画を支配する以前、西部劇にはカウボーイのガンマンたちがいました。 このジャンルがピークに達した1950年代、その頂点に君臨したのが、ジョージ・スティーヴンス監督による豪華絢爛なパノラマ大作『シェーン』。 ジャック・シェーファーの原作を基にした『シェーン』は、腕利きのガンマン（アラン・ラッド）が暴力の歴史を捨て去ろうと必死になる物語。 ワイオミングの農家に根を下ろしたシェーンは、捕食者の悪党や冷酷な男爵を退治するために「引退」を余儀なくされます。 最後に、子供が「帰ってきて」と泣き叫ぶ中、夕日に向かって走り去るシェーンの姿は、私たちが理想とするヒロイズムの表現としての西部劇の消滅をうっかり予感させるものでした。
24.お熱いのがお好き（1959年）
(画像クレジット：United Artists）
マリリン・モンローの最高傑作のひとつは、彼女の遺作のひとつでもあります。 ビリー・ワイルダー監督のスクリューボール・クライム・コメディ『お熱いのがお好き』では、トニー・カーティスとジャック・レモンが禁酒法時代のジャズ・ミュージシャンとして出演。 2人はバンドのボーカルでウクレレ奏者のシュガー（モンロー）に恋してしまい、偽の身分を保ちながら彼女の愛情を奪い合うことに。 完璧な人間などいない」としても、『お熱いのがお好き』は完璧なコメディ。
23.雨に唄えば （1952年）
(画像クレジット：MGM）
ジーン・ケリーとスタンリー・ドーネンが監督と振付を手がけた『雨に唄えば』は、開いた傘、黄色いレインコート、栄光への道を踊るデビー・レイノルズの永遠のイメージ以上のもの。 映画スター、ドン・ロックウッド（ケリー）、ピアノを弾く親友のコスモ（ドナルド・オコナー）、女優志望のキャシー・セルデン（レイノルズ）が、動画に音声をシンクロさせるというエキサイティングな新技術を利用した新しいプロジェクトに取り組む1927年。 陽気で色彩豊かな『雨に唄えば』は、夢を打ち砕くハリウッドの日進月歩の進化を楽しむ作品。
22.ゴジラ（1954）
(画像クレジット：東宝）
日本が第二次世界大戦を終結させた核爆弾の被害を受けてから10年以上後、人類滅亡の危機を思い知らせるために海から現れた邪悪な怪物。 西洋では「ゴジラ」として知られ、日本では本多猪四郎が監督した「ゴジラ」は、人間と獣の残虐行為が区別できない怪獣ホラーの傑作。 その後、「ゴジラ」は太平洋の両岸でコミックヒーローとなりましたが、21世紀を通じてリメイクやリブートがラヴクラフト風の悪夢としてビッグGのオリジナルの色合いを取り戻そうとしています。 成功したものもあります。 しかし、失敗してもゴジラがあるのです。
21.静かなる男（1952年）
(画像クレジット：Republic Pictures）
ジョン・ウェインはハリウッド西部劇のヒーローとして最もよく知られていますが、ジョン・フォード監督は『サタデー・イブニング・ポスト』の短編小説を原作としたみずみずしいロマンス・コメディ『The Quiet Man』で、観客にこのアイコンの違った魅力を見せています。 1920年代のアイルランドの田舎町を舞台に、ジョン・ウェインが演じるのは、アイルランド生まれのアメリカ人ボクサー、ソーン隊員。 鮮やかなテクニカラーで撮影されたフォードの作品は、アイルランドの田舎の息をのむようなスナップショットで、豊かな緑に映えるオハラの美しい赤毛は言うまでもありません。 男女の役割分担の描写は時代遅れに感じられるものの、フォードが捉えた風景に酔いしれずにはいられないはず。
20.理由なき反抗（1955年）
(画像クレジット：ワーナー・ブラザース）
間違いなくジェームズ・ディーン映画の決定版であるこの不朽の名優は、ニコラス・レイ監督の見事な青春ドラマで輝きを放ち、戦後アメリカのティーンエイジャーの中に湧き上がる醜さを浮き彫りにしています。 現代のロサンゼルスを舞台に、ディーンが演じるのは、仲たがいする両親の間で悩むティーンエイジャー、ジム・スターク。 彼は高校時代の同級生ジュディ（ナタリー・ウッド）と揺れ動くロマンスをスタート。 ジェームズ・ディーンは1955年9月、24歳の若さで交通事故で亡くなり、『理由なき反抗』は彼の死後わずか数週間後に公開されました。 しかし、この映画の取り返しのつかない衝撃は、後世にディーンの地位を確固たるものとし、あらゆる世代がジェームズ・ディーンの共感的な瞳の中に自分自身の一部を見ることができるようにしたのです。
19.ナイト・アンド・ザ・シティ（1950年）
(画像クレジット：20世紀スタジオ）
マッカーシズムの中で自らのブラックリスト入りを恐れた映画監督ジュールス・ダッサンは、ロンドンに逃れ、疑惑、絶望、不信に満ちた映画を製作。 ナイト・アンド・ザ・シティ』でリチャード・ウィドマークが演じたのは、ロンドンのプロレス・サーキットに身を投じる自滅的なアメリカ人詐欺師ハリー・フェビアン。 他のノワールの名作と比べると見過ごされがちですが、『ナイト・アンド・ザ・シティ』は英国パルプ・フィクションを象徴する薄汚いスリラーとして、路地裏やバーには、自分自身にしか忠誠を誓わない不道徳な登場人物たちがうようよしています。 対照的な結末を持つ2つのバージョン（イギリスの観客向けとアメリカの観客向け）が存在しますが、ダッサンはシニカルなアメリカのカットの方が自分のビジョンに近いと主張しています。
18.東京物語（1953）
(画像引用元：松竹）
黒澤明は1950年代、日本で最も有名な作家の一人として頭角を現しました。 しかし、彼の最も偉大な同時代人には、黒澤の大作オペラとは対照的なモダニズムでミニマルな作風の小津安二郎がいます。 1953年、小津は彼の代表作のひとつである『東京物語』を監督。 スローペースとほとんど動かないカメラを維持する小津の映画は、第二次世界大戦後の数年間、西洋世界が日本に与えた直接的な影響と、成長する子供たちから親が受ける普遍的な疎外感を探求しています。 コメディではないものの、その穏やかなユーモアのセンスは、下層中産階級の日常生活の中に見出される華麗な美しさを明らかにしています。
17.ホラー・オブ・ドラキュラ（1958年）
(画像クレジット：ユニバーサル）
ユニバーサルのモンスターが影を潜めてから数年後、イギリスのスタジオ、ハマーは、クリストファー・リー卿が象徴的な吸血鬼を演じた『ドラキュラ』（アメリカでは『ホラー・オブ・ドラキュラ』として知られる）を皮切りに、独自の時代を切り開きました。 ベラ・ルゴシがトランシルヴァニア伯爵を象徴的かつ漫画的に演じたのとは対照的に、リーはよりハンサムなイテレーションを体現し、ヴァンパイア特有のエロティシズムと、首筋を噛んで血を抜こうとする傾倒を浮き彫りにしました。 (ちなみに、リーのバージョンでは、ルゴシが1931年の映画では持っていなかった、牙の生えた八重歯も登場)。 リーはその後も数多くの映画でドラキュラを演じたが、1958年のデビュー作がいまだに頂点に君臨。
16.フロム・ヒア・トゥ・エタニティ（1953年）
(画像クレジット：コロンビア）
フレッド・ジンネマン監督による1953年のロマンチックかつ陰鬱な大作で、ハワイに駐留するアメリカ兵たちが真珠湾攻撃までの数日間に運命の出会いを果たします。 フランク・シナトラ、バート・ランカスター、デボラ・カー、ドナ・リードら豪華スターが出演する一方で、献身的な兵士であり、才能あるラッパ奏者でありながら、ボクシング・チャンピオンになりたいという隊長の願いを受け入れようとしないロバート・E・リー “プリュー”・プリューイット上等兵を演じるのは、モンゴメリー・クリフト。 ハリウッドの黄金期を支えたアイコンは皆、人生が一変する運命に翻弄される人々を最高の演技で演じています。 モンゴメリー・クリフトは多くの役を演じることに抵抗があったことで有名ですが、この『フロム・ヒア・トゥ・エタニティ』は彼の最高傑作のひとつです。
15.血の玉座（1957年）
(画像クレジット：東宝）
黒澤明監督によるシェイクスピアの『マクベス』の魅惑的な再映画化で、三船敏郎はマクベスになぞらえた侍役で出演。 シェイクスピアのモチーフと日本の能楽の舞台技術を文化的に融合させた『血の玉座』は、権力は容易に手に入るが、それを保持する強さには大きな代償が伴う、霧に満ちた悪夢のように妖しい。 政治スリラーでもあり、ホラー・ファンタジーでもある『血の玉座』は、矢の雨の中で不死を得る畏怖の作品。
14.12人の怒れる男 (1954)
(画像クレジット：United Artists）
事実上、どの世代にも『12人の怒れる男』のバージョンがあります。 しかし1957年、シドニー・ルメット監督は、マーティン・バルサム、ジョン・フィルダー、リー・J・コブ、ジャック・クラグマン、ヘンリー・フォンダなどのキャストで、忘れがたい作品をスクリーンに登場させました。 レジナルド・ローズによる1954年の戯曲を基にした『12人の怒れる男』は、殺人罪で起訴されたティーンエイジャーの有罪か無罪かを懸命に審議する陪審員たちの意見の食い違いを描いた作品。 事実上、その後の法廷ドラマはすべて『12人の怒れる男』からヒントを得ており、ドラマのすべてが陪審員室ひとつに集約されていながら、窮屈さを一度も感じさせません。
13.ベン・ハー（1959）
(画像クレジット：MGM）
1950年代の宗教大作は『十戒』だけではありません。 1959年、チャールトン・ヘストンがタイトルロールを演じたウィリアム・ワイラー監督の受賞歴もあるスケールの大きな大作。 100人の衣装製作者、200人の美術家、1万人のエキストラ、200頭のラクダと2500頭の馬など、文字通り何百人もの職人が舞台裏で働き、当時はまだ新しかったワイドスクリーン・フォーマットを限界まで押し上げるために必要なものばかりでした。 しかし、『ベン・ハー』がどうしようもなく成功しているのは、1880年にルー・ウォレスが発表した小説の主人公ユダ・ベン・ハーの物語に焦点を当て、ローマ帝国の奴隷となったユダヤ人王子が、後に唯一無二のイエス・キリストに出会うまでを描いているからです。 今日の巨費を投じたフランチャイズ映画の続編でさえ、『ベン・ハー』の荘厳さには到底及ばないでしょう。
12.欲望という名の電車（1951年）
(画像クレジット：ワーナー・ブラザース）
有害な人間関係をドラマ化し、ピューリッツァー賞を受賞したテネシー・ウィリアムズの戯曲を基に、エリア・カザンがヴィヴィアン・リー、キム・ハンター、そしてもちろんマーロン・ブランドを主演に迎えて映画化。 ミシシッピからニューオーリンズの古びたアパートで妹と暮らすことになった南部の美女ブランシュ（ヴィヴィアン・リー）。 カザンの映画版は、ハリウッドが誇る名優たちを最高の状態で捉えたという点で、真の力作と言えるでしょう。
11. 栄光の道』（1957年）
(画像クレジット：United Artists）
スタンリー・キューブリックを語る上で、彼の1957年の戦争映画『栄光への道』は見落とされがち。 しかし、キューブリックは4作目の映画で、映像の巨匠として異彩を放ちながらも鋭い手腕を発揮。 第一次世界大戦のフランスを舞台にした『栄光の軌跡』では、カーク・ダグラスが指揮官を演じ、本質的に自殺行為である攻撃に突き進むことを拒否し、その後軍法会議で臆病者の罪に問われます。 キューブリックが『栄光の軌跡』を監督したのは弱冠29歳の時で、彼の完璧な演出にまつわる話題は、1999年に彼が亡くなった後も何年も尾を引きました。
10.ヒロシマ・モン・アムール（1959年）
(画像クレジット：Rialto Pictures）
エロティックな夢が映画になるとしたら、それは『ヒロシマ・モン・アムール』のようなものでしょう。 フランスと日本の合作であるこの作品で、アラン・レネ監督は観客を突然、汗と灰にまみれた日本人男性（岡田英次）とフランス人女性（エマニュエル・リヴァ）の親密な関係に引き込みます。 映画はノンリニア方式で展開し、核の惨禍に取り囲まれた戦後間もない日本での、見知らぬ二人の束の間のロマンスを語ります。 この不可能なラブストーリーと国際的トラウマの瞑想は、フレンチ・ヌーヴェル・ヴァーグを世界中の観客に知らしめるきっかけとなりました。
9.ウォー・オブ・ザ・ワールズ （1953年）
(画像クレジット：パラマウント）
H.G.ウェルズの1898年の小説を基にしたバイロン・ハスキンの1953年の映画版では、現代の南カリフォルニアが火星人による侵略のフロンティアとして描かれています。 オーソン・ウェルズの伝説的なラジオ放送は、公開当時も観客の脳裏に焼き付いており、『War of the Worlds』は、アメリカ軍の原始的な大砲と火星の洗練された別世界のテクノロジーの対比が際立つ、映像メディアとしての映画の利点を生かした作品。 特殊効果の饗宴として革新的でありながら、人類が最も知的な種として決して安心しすぎることはないという警告を発する痛ましい物語として不朽の名作。
8.ハイ・ヌーン（1952）
(画像クレジット：United Artists）
フレッド・ジンネマン監督による西部劇の名作『真昼の墓場』は、町の保安官（ゲイリー・クーパー）が一人で悪党一味に立ち向かうか、それとも妻（グレース・ケリー）と逃げるかの選択を迫られる様子をリアルタイムで描いた作品。 西部劇のヒロイズムを、悪の大群に立ち向かう一人の男に凝縮した『High Noon』は、その後何年にもわたり、西部劇の再構築と活性化に貢献しました。 ドワイト・アイゼンハワー、ロナルド・レーガン、ビル・クリントンなど、複数のアメリカ大統領が『ハイ・ヌーン』への賞賛を表明していることは、誰も驚くことではありません。
7.オン・ザ・ウォーターフロント（1954年）
(画像クレジット：コロンビア）
マルコム・ジョンソンがニューヨーク・サン紙に寄稿し、ピューリッツァー賞を受賞した一連の記事にインスパイアされた『オン・ザ・ウォーターフロント』は、エリザ・カザン監督とマーロン・ブランドが、ニュージャージー州ホーボーケンの水辺の犯罪と腐敗を描いた痛烈なドラマで再共演。 ブランドは、マフィアのボスの依頼で故意に喧嘩を売った元ボクサー、テリー・マロイ役。 港湾労働者として働くようになったテリーは、仲間の港湾労働者が殺害される現場を目撃し、沈黙を強いられることに。 オン・ザ・ウォーターフロント』は、そのストーリーテリングでマッカーシズムを非難した50年代初頭の数ある映画のひとつですが、そのストーリーは、圧倒的な困難に直面したときの無力感の描写として、当時を越えて響いています。
6.七人の侍（1954年）
(画像クレジット：東宝）
黒澤明監督による、弱小村を守るために団結する侍たちを描いた大作。 志村喬、稲葉義男、加藤大輔、宮口精二、三船敏郎といった豪華キャストを擁した黒澤の物語は、私利私欲よりも崇高な目的のために団結する乱暴な男たちという独自のサブジャンルを生み出しました。 1960年の『マグニフィセント・セブン』（カウボーイ西部劇として再構築）のような直接的なリメイクだけでなく、『ダーティ・ダズン』、『セービング・プライベート・ライアン』、『エクスペンダブルズ』、『アベンジャーズ』、『ジャスティス・リーグ』、そして『スター・ウォーズ』シリーズのようなスピリチュアルなオマージュもあります。
5.北北西に進路を取れ（1959年）
(画像クレジット：MGM）
アルフレッド・ヒッチコックが1950年代を締めくくったスパイスリラー『北北西に進路を取れ』。 ケーリー・グラントとエヴァ・マリー・セイント主演のこの映画は、無実の男（ケーリー・グラント）が、政府の機密を密輸していると信じる謎の諜報員から命からがらアメリカ中を逃げ回る姿を描いています。 1959年まで、ヒッチコックはすでに名高い芸術家でしたが、『北北西に進路を取れ』では、サスペンスフルで遊び心にあふれた映画で、その才能を確固たるものにしました。
4.裏窓（1954年）
(画像クレジット：パラマウント）
足を骨折して療養中のカメラマン（ジェームズ・スチュワート）が、向かいの家の隣人が人を殺したのではないかと疑う、痛快な都市型ミステリー。 落ち着きのない社交界の恋人（グレース・ケリー）と看護婦（テルマ・リッター）の助けを借りて、スチュワート演じるジェフは正気を失うことなく正義を追求します。 ソーシャルフィードがPOV撮影を駆使し、スマートフォンのカメラが私たちをアマチュア写真家にした現代でさえ、ヒッチコックの映画は限られた視点にドラマチックな力を見せてくれます。
3.ウンベルト・D（1952年）
(画像クレジット：Rialto Pictures）
イタリアの映画監督ヴィットリオ・デ・シーカによるネオリアリズムの名作で、ローマに住む貧しい老人が愛犬とともに生きるためにできることは何でもする、というストーリー。 イタリア全体が戦後復興の真っ只中にあり、街頭で物乞いをするひ弱な男の姿はイタリアのイメージにそぐわなかったため、公開当時はイタリア国民に不評でした。 しかし、どこの国の観客も、優しさが近代化によって蝕まれていく悲痛な物語として、『ウンベルト・D』を賞賛するようになったのです。 世界映画の金字塔『ウンベルト・D』。
2.キス・ミー・デッドリー (1955)
(画像出典：ユナイテッド・アーティスツ）
1950年代はお行儀がよく、健全な価値観に満ちていた、と思う人がいないように、『キス・ミー・デッドリー』の暗黒をご覧あれ。 ロバート・アルドリッチがミッキー・シレーンの小説を映画化したこの作品は、刑事マイク・ハマー（ラルフ・ミーカー）がヒッチハイクの女性（マキシン・クーパー）を乗せ、忘れられない恐ろしい一夜が始まるというストーリー。 フランソワ・トリュフォー、ジャン＝リュック・ゴダール、クエンティン・タランティーノなど、最も尊敬される映画界の巨人たちに影響を与えた作品。 まさに最高傑作。
1.めまい
(画像クレジット：パラマウント）
1958年に公開されたアルフレッド・ヒッチコックのサイコスリラー『めまい』は、数々のベスト・オブ・リストに定期的にランクインしており、2012年には『市民ケーン』を抜いて『The Sight & Sound Greatest Films of All Time』の栄えある1位に輝いたことで有名。 そのように評価されるのには理由があります。 ジェームズ・スチュワート主演のジョン・”スコッティ”・ファーガソンは、高所恐怖症になりバッジを返上した引退した刑事。 しかし、知人に雇われ、妻のマドレーヌ（キム・ノヴァク）を尾行することになったスコッティは、自分の恐怖と向き合うことに。 心理的な強迫観念に取り憑かれた『めまい』は、荒唐無稽なエンターテインメントと頭脳的なアーテイストの狭間で、時にアルフレッド・ヒッチコックならではの方法で両者を曖昧にします。 史上最高傑作」とまではいかなくても、この10年間で最高傑作のひとつであることは間違いないでしょう。